Lo que llamamos Barroco temprano viene a ser una especie de puente de unión de dos épocas por el que transitan fórmulas y medios expresivos convencionales (contrapunto horizontal en el modelo madrigal o en el motete, la armonía modal o el influjo del canto llano, etc.) junto con nuevas fórmulas, que se mueven en principio con cierta timidez, propias de un período de pruebas (la reducción de voces del madrigal, el concepto expresivo de la consonancia/ disonancia, la policoralidad, o la propia emergencia de los instrumentos que se van distanciando e independizando del estilo vocal, pasando a ocupar un importante papel de “acompañantes” de la voz, cuando no de solistas.
De todos aquellos elementos, viejos y nuevos, que transitan por ese puente que conduce al siglo XVII, se va a ir clarificando algún concepto que resultará de especial valor para la transformación de lo que llamamos el primer Barroco musical: (a) la melodía acompañada, una línea que polariza con el contraste del acompañamiento todo el discurso; (b) esto va a suponer, frente a la antigua herencia de pluritextualismo de la polifonía clásica (difícil de clarificar sus mensajes), una claridad de lo que se transmite, abriéndose nuevas posibilidades para el papel del solista y su relevante papel en la futura ópera, que llama a la puerta; (c) Finalmente, la idea emergente de la concepción vertical de los acordes, el propio idiomatismo de los instrumentos, y la búsqueda de claridad de la línea melódica (cantada o instrumental), que permitirá lanzar y desarrollar el concepto de Bajo Continuo, que ya se opondrá frontalmente al concepto de la polifonía anterior, al polarizar el interés acústico entre la melodía y el acompañamiento del bajo fundamental: el resto de las voces quedan de relleno, de mera armonización.
Todo este proceso no se produce de manera inmediata, es el fruto de discusiones y de polémicas sobre la prima prattica y la seconda prattica, como vemos en los escritos de G. Artussi frente a los de C. Monteverdi; y sobre todo, de prácticas de salones nobles o de sociedades de poetas, artistas y músicos a la búsqueda del supuesto pasado musical greco-latino en el que la melodía, el recitativo, acompañado de instrumentos armónicos (órgano, clavecín, laúd o arpa) o de pequeños grupos, ofrecen un discurso claro y transparente.
Todas aquellas discusiones –viejo vs nuevo- y las nuevas prácticas darán lugar a teorizaciones relevantes sobre cómo realizar un “continuo”, la resolución del “bajo cifrado”, o cómo acompañar con un instrumento armónico (acordes, afinaciones, timbres, posibilidades, etc.). Y sobre todo, aquello se llevará a la práctica con nuevos tipos de composiciones (tonales, cromáticas) y nuevos tipos de representaciones (intermedios, óperas, etc.) que serán del gusto de unas sociedades elitistas y cultas, en las que se discute y se materializan los nuevos elementos de una vanguardia de mucho futuro.
Sin duda, los elementos fundamentales de esta seconda prattica emergen en el ambiente de sociedades como la Camerata Florentina, integrada por artistas y nobles en la que se discute y teoriza sobre el pasado grecolatino y la conveniencia de volver a los clásicos –Platón o Aristóteles-creando una nueva retórica que redescubriera y pusiera en valor la antigua tragedia griega. G. Peri y G. Caccini dieron los primeros pasos con obras de corte mitológico con un tipo de canto “parlatto” que se denominaría el Recitativo: capaz de contar rápidamente la acción y de casar de manera más precisa la acentuación musical y la del verso.
Pero sería Monteverdi quien con su Orfeo sentaría las bases del nuevo género: integrando el recitativo, a otros elementos de gran valor expresivo: el Ritornello, al Aria Da Capo, el coro homofónico, la caracterización de personajes y ambientes a partir de la orquestación y los diversos “continuos”; y sobre todo, dándole una unidad narrativa y una coherencia al propio guión y a sus personajes.
La universalidad de la ópera italiana, consecuencia de los avances técnicos y expresivos vistos, alcanza niveles igualmente de referencia en el mundo instrumental, con la especialización de los instrumentos (canzonas per suonare, sonatas), la aparición de nuevos tratados, y, especialmente, la rápida valoración de la música pura, como elemento expresivo y didáctico fundamental, tanto en el terreno práctico (evolución
de la orquestación Barroca, modos y maneras de cantar, el papel de los virtuosos, etc.), como en el didáctico: con las viejas herencias clásicas, la música será un elemento importante para la educación, para el equilibrio interior y para el trato en sociedad. Todo esto avanzará notablemente en el Barroco Tardío.